Old Hollywood

Put the blame on...Rita Hayworth

2006-09-07T06:14:00.000-07:00

Hija de un bailarín español y una actriz, Volga Haworth, Margarita Carmen Cansino -este era su nombre de pila- desde su adolescencia ya era una bailarina profesional. Sus primeras actuaciones fueron con "The Dancing Cansino's", una formación artística liderada por su padre. Cuando tenía diecisiete años un cazatalentos de la Fox se fija en ella y se la lleva a Hollywood. Inmediatamente comienza a trabajar interpretando papeles de escasa importancia. Dos años después es despedida y cuando todo parecía perdido conoce a un productor, Edwar Hudson, con el que más tarde contraería matrimonio. Por medio de éste la Columbia la contrata por siete años. Es entonces cuando Margarita Cansino pasa a ser conocida como Rita Hayworth. Tras una rigurosa dieta, algún retoque capilar para despejar su frente y un tinte pelirrojo, logró transformar su imagen y convertirse en una de las mujeres más bellas de su tiempo. Este supone el pistoletazo de salida de una fulgurante carrera cinematográfica, protagonizando éxitos como "Sólo los ángeles tienen alas". A esta producción se sumaron otras como "Sangre y arena", "Seis destinos", etc... Coincidiendo con este espectacular cambio se estrenó "Gilda". Su imagen llegó a todos los rincones de la geografía y en poco tiempo Rita Haywoth ya era un símbolo erótico. A esta producción le siguieron otras, entre las que cabe destacar "La dama de Shanghai" de Orson Welles. Su vida sentimental estuvo plagada de bodas y divorcios. Orson Welles fue una de sus parejas, roto este matrimonio se casó con el príncipe Alí-Khan. Tras un breve paréntesis, cuando regresó a la gran pantalla en la década de los cincuenta interpretó papeles de escasa calidad. El Alzheimer acabó con su vida cuando sólo tenía 68 años.

La última dama: Vivien Leigh

2006-09-07T05:53:00.000-07:00

Vivien Leigh (Vivian Mary Hartley) Nació el 5 de noviembre de 1913 en Darjeeling, India. Hija de un agente de bolsa inglés y una irlandesa que regresaron a Gran Bretaña tras la I Guerra Mundial. Su debut en el cine fue con el nombre de su primer marido, el abogado Herbert Leigh Holman. Ganó fama gracias a su interpretación de Henriette Duquesnoy en La máscara de la virtud en el Ambassadors Theatre de Londres. Su carrera dio un giro cuando conoció a Alexander Korda y Laurence Olivier. Intervino en Fire Over England (W. K. Howard, 1937), La mujer enigma (Dark Journey, V. Saville, id), Storm in a Tea cup (id., id.) y 21 días juntos (B. Dean, 1939; RE 1937). En 1937, Miss Baylis, directora de la Old Vic, la contrató para ser Ofelia cuando la compañía se desplazó a Elsinor para dos representaciones de Hamlet. Para el cine encarnó a Scarlett O'Hara, protagonista del best-seller Lo que el viento se llevó, por la que recibió el Oscar a la mejor actriz y el premio de la Crítica neoyorquina. Tras interpretar El puente de Waterloo (M. LeRoy, 1940) y Lady Hamilton (A. Korda, 1941, con L. Olivier), participó en la gira triunfal del Old Vic en Australia y en Nueva Zelanda (1948) e interpretó el papel principal de Ana Karenina (J. Duvivier, 1948). Regresó a Londres y en el Aldwych Theatre tuvo un nuevo éxito con Un tranvía llamado deseo de Tennessee Williams, con dirección de Laurence Olivier (1949). Elia Kazan le pide que interprete el papel de Blanche Du Bois en una adaptación cinematográfica (1951 ) de la obra, que rueda con Marlon Brando. Obtuvo su segundo Oscar. Tras divorciarse de Laurence Olivier (1960), con el que se había casado en 1949, apareció en la pantalla por última vez en 1965, en el papel de una gran dama desengañada y alcohólica ( El barco de los locos, S. Kramer, 1965). Falleció en Londres a causa de una tuberculosis el 7 de julio de 1967.

Después los caballeros; comenzamos con Cary

2006-08-26T03:44:00.000-07:00

CARY GRANT(1904-1986)
Uno de los mejores intérpretes de la historia del cine y paradigma del estrellato fílmico en la época dorada de Hollywood.
Cary Grant se convirtió en uno de los actores favoritos del público por su elevada capacidad de empatía, cautivadora presencia y versátil talento interpretativo en comedias, dramas, películas de intriga, suspense o aventuras, seduciendo con su valía actoral a grandes directores del celuloide como Alfred Hitchcock, Howard Hawks o Stanley Donen. De nombre real Archibal Alexander Leach, Cary nació en la ciudad de Bristol (Inglaterra), el 18 de enero de 1904, en el seno de una familia muy humilde, en la que sufriría muchas penurias económicas, hecho que condicionaría su posterior tacañería. Sus padres eran Elsie Marie Kingdon y Elias Leach.
En 1913 su adorada madre fue internada en un psiquiátrico, hecho que afectó seriamente a su estabilidad emocional.
Para aplacar su pena, el joven Archie comenzaría a frecuentar el mundo del music hall, abandonando el colegio a los 14 años para probar fortuna en el mundo del espectáculo.
En 1918 se uniría a la troupe de Bob Pender, en la cual demostraría sus habilidades acrobáticas y bailarinas que posteriormente rememoraría en algunas secuencias de sus títulos cinematográficos.
Cuando el grupo de Pender llegó en 1920 a los Estados Unidos, Archie decidió permanecer en el continente americano e intentar debutar en el teatro de Broadway.
Para conseguirlo tuvo previamente que trabajar en variados oficios, entre ellos ejercer como hombre anuncio.
Sus apariciones en las comedias musicales "Golden Dawn" o "Nikki", llevaron a Leach a Hollywood, gracias a firmar un contrato con los estudios Paramount en 1932, que le sugirieron que se cambiara de nombre. Archie adoptaría el apelativo de Cary Grant.En la gran pantalla debutaría con la película de Frank Tuttle "Esta es la noche" (1932), el comienzo de una serie de títulos con Cary en papeles secundarios, como "La venus rubia" (1932), film de Josef Von Sternberg que protagonizaba Marlene Dietrich.
La persona encargada de propulsar la carrera de Cary Grant sería Mae West, quien exigiría su participación en películas como "Lady Lou" (1933) de Lowell Sherman o "No soy ningún ángel" (1933), un título que dirigió Wesley Ruggles.
En el mismo momento que abandonó la Paramount, Cary representaría su primer gran papel, que modularía gran parte de sus características interpretativas posteriores.
La película era "La gran aventura de Silvia" (1935), un delicioso film de George Cukor co-protagonizado por Katharine Hepburn.
La intervención magistral de Grant (que interpretaba un personaje importante pero secundario) no pasó desapercibida y su rostro volvió a aparecer en películas de éxito, como "Ídolo de Nueva York" (1937), un film de Rowland V. Lee con Edward Arnold de protagonista, o "Una pareja invisible" (1937), una comedia de corte fantástico dirigida por Norman Z. McLeod y co-protagonizada por Constance Bennett.Ese mismo año interpretó junto a Irene Dunne "La pícara puritana" (1937), una gran comedia de Leo McCarey que ganaría el Oscar a la mejor película.Con el estrellato conseguido, los últimos años de la década de los 30 le depararon espléndidos trabajos, como "La fiera de mi niña" (1939) de Howard Hawks, "Vivir para gozar" (1939) de Cukor, "Gunga Din" (1939) de George Stevens, "Sólo los ángeles tienen alas" (1939) de Hawks o "Dos mujeres y un amor", comedia romántica dirigida por John Cromwell y co-protagonizada por Carole Lombard y Kay Francis.
Los años 40 y 50 lo confirmarían como uno de los actores más importantes de todos los tiempos. "Luna nueva" (1940) de Howard Hawks, "Mi esposa favorita" (1940) de Garson Kanin, "Historias de Filadelfia" (1940) o "Serenata nostálgica" (1941) de George Stevens fueron algunos de sus mejores títulos en el comienzo del nuevo decenio.
El sueldo que había cobrado por "Historias de Filadelfia", película en la que aparecían James Stewart y Katharine Hepburn, fue donado íntegramente al ejército británico en combate en la Segunda Guerra Mundial.Por su interpretación en "Serenata nostálgica" sería nominado por primera vez al premio Oscar. La estatuilla se la llevaría Gary Cooper por "El sargento York". En 1941 se produjo su primera colaboración con Alfred Hitchcock, un trabajo perjudicado por un final feliz impuesto por la productora, "Sospecha" (1941) con Joan Fontaine.Por el drama de Clifford Odets "Un corazón en peligro" (1944), Cary Grant volvería a ser nominado al Oscar, pero de nuevo no se alzó con el galardón, recayendo éste en Bing Crosby por "Siguiendo mi camino". Aunque los premios se le resistían, el público se volcaba con sus películas, convirtiéndolo en uno de los actores más taquillero del momento gracias a "Arsénico por compasión" (1944), una obra maestra del humor negro dirigida por Frank Capra o "Encadenados" (1946), inolvidable título de Hitchcock repleto de intriga y romanticismo que estaba co-protagonizado por Ingrid Bergman y Claude Rains.
Tres comedias infravaloradas y muy disfrutables como "El solterón y la menor" (1947), "La mujer del obispo" (1947) y "Los Blandings ya tienen casa" (1948), fueron el preludio de su participación en una serie de títulos que Cary co-protagonizó con su tercera esposa, la actriz Betsy Drake: "En busca de marido" (1948) de Don Hartman y "Hogar, dulce hogar" (1952) de Norman Taurog.
Al margen de su asociación con Betsy, Cary intervino en películas como "La novia era él" (1949) de Howard Hawks, "Crisis" (1950), film dirigido por un joven Richard Brooks o "Murmullos en la ciudad" (1951) un melodrama dirigido por Joseph L. Mankiewicz.
Una característica de Grant era que a pesar de su estatus estelar jamás puso reparos a trabajar y ayudar a jóvenes e inexpertos directores como era en ese momento el debutante Richard Brooks. Con su gran amigo Howard Hawks protagonizaría su último trabajo juntos en la magnífica comedia "Me siento rejuvenecer" (1952), película en la que aparecían Ginger Rogers y Marilyn Monroe.
Su tercera colaboración con Hitchcock fue "Atrapa a un ladrón" (1955), estimable film co-protagonizado con Grace Kelly.
Después de intervenir en películas como "Orgullo y Pasión" (1957), rodaje en el cual se enamoró perdidamente de Sophia Loren y "Tú y yo" (1957) de Leo McCarey, Cary Grant crearía Grandon, una productora que fundó en asociación con el director Stanley Donen.
La primera película de la compañía sería "Bésalas por mí" (1957), una divertida comedia co-protagonizada por Jayne Mansfield.
Con Donen realizaría "Indiscreta" (1958), "Página en blanco" (1960) y "Charada" (1963). En su última etapa como actor la película más sobresaliente de su filmografía fue "Con la muerte en los talones" (1959), una obra maestra dirigida por Alfred Hitchcock.
Sus restantes títulos tampoco son nada desdeñables, como la comedia bélica "Operación Pacífico" (1959) de Blake Edwards u "Operación Whisky" (1964), película de Ralph Nelson en la que aparecía por primera vez en su carrera con una apariencia desaliñada.
Tras "Apartamento para tres" (1966), film dirigido por Charles Walters y co-protagonizado por Samantha Eggar, Cary tomó la decisión de abandonar definitivamente el cine. Tres años después la Academia le galardonaría con un Oscar honorífico por su extraordinaria carrera. Además de su enlace con Betsy Drake, con quien estuvo entre 1949 y 1962, Cary Grant se había casado con la actriz Virginia Cherrill (1934-1935), la multimillonaria Barbara Hutton (1942-1945, la rubia actriz Dyan Cannon (1965-1968), con quien tuvo a su hija Jennifer en 1966 y Barbara Harris, con quien contrajo matrimonio el año 1981. Además de sus amoríos heterosexuales, a Cary Grant siempre le ha perseguido el rumor de su bisexualidad, negado rotundamente por el actor, especialmente a causa de su íntima relación con el actor Randolph Scott, con quien compartió vivienda en sus comienzos en Hollywood. Cary fallecería el 29 de noviembre de 1986 en Davenport, Iowa. Tenía 82 años

El ''viento'' nos lleva con Clark Gable

2006-08-26T03:27:00.000-07:00

CLARK GABLE(1901-1960)
William Clark Gable nació el 1 de febrero de 1901 en Cadiz, Ohio (Estados Unidos). Era el hijo único del granjero y trabajador de una refinería de petróleo William H. Gable y de su esposa Adeline Hershelman. Adeline fallecería cuando Clark contaba solamente con siete meses de edad. Poco después su padre contrajo matrimonio con Jennie Dunlap, una mujer a la que Clark siempre adoró. Tras el enlace la familia Gable se trasladó a la localidad de Hopedale.A Clark no le gustaba demasiado la disciplina académica así que abandonó sus estudios cuando estaba en el instituto para intentar ganarse la vida trabajando en una fábrica de neumáticos ubicada en Akron, Ohio. En los descansos del trabajo, al joven Gable le gustaba pasar el tiempo contemplando obras de teatro. Tanto le agradaba el mundo de las bambalinas que decidió unirse a una compañía de aficionados.
Así estuvo compaginando sus diversos trabajos con las representaciones escénicas hasta que logró debutar en Broadway, convirtiéndose en un actor profesional gracias a la mediación de la actriz y directora de teatro Josephine Dillon, mujer mucho mayor que Gable con la que terminaría casándose en 1924. Su talento natural como intérprete y las recomendaciones de Dillon le hicieron debutar a mediados de los años 20 en pequeños papeles cinematográficos, apareciendo en películas como "Forbidden Paradise" (1924) o "La viuda alegre" (1925), esta última dirigida por Erich Von Stroheim. Eran papeles que no lograron colmar su ambición como actor provocando su regreso a las tablas de Broadway.
Un espectador de lujo quedó entusiasmado con la representación de Gable en la obra "The Last Mile". Ese espectador era el gran Lionel Barrymore, que lo primero que hizo cuando regresó a Los Ángeles fue hablarle de Gable a Irving Thalberg, uno de los principales dirigentes de la Metro Goldwyn Mayer.La respuesta de Thalberg fue tajante tras la prueba, "¡¡Pero mira que orejas de murciélago tiene!!".... aún así terminó contratándolo.
La década de los años 30 sería la etapa de mayor gloria para Clark Gable. En el aspecto sentimental, Clark se había divorciado en 1930 de Josephine Dillon para casarse con otra mujer de más edad y también adinerada cuyo nombre era Rhea Langham. En la Metro debutaría con un personaje secundario en "The Painter Desert" (1931), un film dirigido por Howard Higgin. Este sería el inicio de una primera parte de decenio extraordinariamente prolífica, solamente baste decir que protagonizó once películas en el año 1931.
Sus títulos más destacados fueron "Enfermeras de noche" (1931) de William Wellman, "Amor en venta" (1932), película dirigida por Clarence Brown que contaba con una de sus habituales parejas femeninas, Joan Crawford, "No man of her own" (1932) de Wesley Ruggles, "Tierra de pasión" (1932), film de Victor Fleming co-protagonizado por Jean Harlow, otra de sus partenaires más usuales, "Extraño intervalo" (1932) de Robert Z. Leonard, "Tú eres mío" (1933) de Sam Wood, "Sucedió una noche" (1934) de Frank Capra, película con la que consiguió su definitivo asalto al superestrellato y con la que ganó el Oscar, "El enemigo público número 1" (1934) de Van Dyke, "La llamada de la selva" (1935) de William Wellman, "Mares de China" (1935) de Tay Garnett, "Rebelión a bordo" (1935), película dirigida por Frank Lloyd, "San Francisco" (1936) de Van Dyke, "Sucedió en China" (1937) de Jack Conway y la mítica "Lo que el viento se llevó" (1939) jalonan una década impresionante para el intérprete de Ohio.
Tras ganar la estatuilla con "Sucedió una noche" Gable volvería a ser nominado al Oscar por "Rebelión a bordo" (1935) y "Lo que el viento se llevó" (1939).
En la película "No man of her own" (1932) Clark coincidiría con una rubia actriz llamada Carole Lombard. Desde esa fecha mantuvieron flirteos que se vieron oficialmente materializados con su boda en 1939 tras el divorcio de Gable con la millonaria Langham un mes antes. El feliz matrimonio acabó en tragedia ya que Carole moriría tres años después en un accidente de aviación sumiendo a Gable en una profunda depresión que lo llevó a abandonar el cine durante tres años en los que estuvo sirviendo en el ejército americano durante la Segunda Guerra Mundial.Gable era el actor favorito de Hitler y éste, sabiendo que Clark estaba combatiendo, ofreció una fuerte recompensa para el que lo apresara y se lo entregara vivo. Por esas razones, en especial la muerte de Carole Lombard, los años 40 no fue buena época profesional ni personal para Clark Gable, quien protagonizó pocas películas aunque algunas bastante estimables, como "Fruto dorado" (1940), "The Hucksters" (1947) o "Quiero a este hombre" (1941), las tres dirigidas por Jack Conway, "Strange Cargo" (1940) de Frank Borzage, o "Sublime decisión" (1948), un título realizado por Sam Wood.
Los años 50 recuperaron el atractivo comercial de Gable. Rompió el contrato con la Metro, se casó en 1949 con su cuarta mujer, Sylvia Ashley (ex esposa de Douglas Fairbanks), y se convirtió en free-lance, apareciendo en populares filmes como "Mogambo" (1953) de John Ford, "Cita en Hong-Kong" (1955) de Edward Dmytrik, "Torpedo" de Robert Wise o "Vidas rebeldes" (1961), su última película a las órdenes de John Huston y con un reparto más que legendario, ya que los co-protagonistas de Gable eran Marilyn Monroe y Montgomery Clift. Tras romper con Sylvia Ashley, Clark Gable se casó en 1955 con su última esposa, Kay Spreckles, con la que tuvo su único hijo, John Clark Gable.También existían rumores de que Judy Lewis, hija de Loretta Young, era hija ilegítima del actor de Ohio, quien mantuvo un tórrido romance con Loretta. Poco antes del nacimiento de su hijo, Clark había fallecido a los 59 años el 16 de noviembre de 1960. Fue enterrado por expreso deseo al lado de su gran amor, Carole Lombard.

Nos vamos a Tyffanis con George

2006-08-18T08:29:00.000-07:00

George Peppard George Peppard (21 de octubre de 1928 - 8 de mayo de 1994) fue un actor de cine y de televisión estadounidense. Nació en Detroit con ese mismo nombre. Su madre fue cantante de ópera y su padre constructor. Después de terminar el colegio Peppard absolvió el servicio militar en la artillería naval. Inicialmente estudió ingeniería civil, probablemente pensando en trabajar más adelante en la empresa de su padre. Al mismo tiempo realizó todo tipo de trabajos, desde taxista, disc-jockey y empleado de banca hasta mecánico de motocicletas. A continuación se matriculó en la universidad de Carnegie Mellon, donde estudió Bellas Artes. En esos años murió su padre, dejando un proyecto de construcción inacabado. El jóven Peppard se puso al frente y lo terminó. Después de sus estudios universitarios Peppard decidió ser actor y quiso prepararse para ello, no confiando en su atractivo físico para tener éxito. Estudió en la prestigiosa escuela de interpretación Actor's Studio de Nueva York. Terminada su formación comenzó a trabajar en películas de televisión y en el teatro, también en Broadway. Su primera película para el cine la hizo en 1957, en la que repetía un papel que ya había interpretado en Broadway. Su popularidad fue en aumento en las siguientes películas, sobre todo cuando intervino en Desayuno con diamantes junto con Audrey Hepburn. Las siguientes películas también tuvieron éxito, especialmente The Carpetbaggers, coprotagonizada por Alan Ladd.En los años siguientes Peppard comenzó a estar menos solicitado por los productores y los estudios, de forma que tuvo que intervenir en películas de menor interés. La serie de televisión Banacek, que se realizó en 1972 y 1973, le convirtió por un tiempo nuevamente en un actor admirado, pero su carrera cinematográfica continuó siendo decadente. En 1978 debutó en la dirección con Five Days From Home, película que tuvo una buena acogida. No obstante, Peppard no se mostró interesado en repetir la experiencia y se dedicó principalmente a las películas y series de televisión. Entre 1983 y 1987 consiguió una vez más un considerable éxito con la serie de televisión El equipo A, producción que le hizo popular entre la juventud de todos los países que la emitieron.Peppard estuvo casado en cinco ocasiones. Su segunda esposa fue la actriz Elizabeth Ashley, con la que había protagonizado la película The Carpetbaggers. Se casó por última vez dos años antes de su fallecimiento. Peppard tuvo tres hijos, dos de su primer y uno de su segundo matrimonio. En los últimos años de su vida Peppard enfermó de cáncer, lo que le obligó a retirarse del mundo del cine y de la televisión. Murió en Los Ángeles de las complicaciones surgidas en el tratamiento de su enfermedad.

De vacaciones en Roma con Gregory Peck

2006-08-18T08:16:00.000-07:00

Eldred Gregory Peck
nació en La Jolla, California EE.UU el día 5 de abril del 1916.
Comenzó sus estudios de Medicina en la Universidad de Berkley pero los dejó para dedicarse al teatro universitario. Consiguió actuar por primera vez en la Feria mundial de Nueva York y continuó haciéndolo en giras veraniegas. Obtuvo una beca para el Neigborhood Playhouse y en 1942 debutó en los escenarios de Broadway. Sólo un año después se introdujo en la industria hollywoodiense gracias a una prueba realizada con O. Setznick.
Gregory Peck pronto consolidaría su carrera en Hollywood firmando contratos simultáneos con cuatro compañías: RKO, 20th Century Fox, Selznick Productions y con la Metro Goldyn Mayer. Esto le permitió protagonizar todo tipo de papeles, desde galán hasta cazador o cura.
A mediados de la década de los cuarenta se convirtió en el actor de moda; su mirada insolente y tierna gustó al público y además su entrada en el mundo del celuloide se produjo en el momento adecuado porque la mayoría de los grandes actores del momento se encontraban en la guerra.
A partir de 1950 trabajó pero sin estar adscrito a ningún estudio y de estos años destacan películas como Vacaciones en Roma (1953), Horizontes de grandeza (1958, coproducida por él mismo) y Días sin vida (1959). Sin embargo, sus mejores papeles le llegaron a partir de los años sesenta con La hora final y Matar a un ruiseñor.
Estuvo nominado al Oscar como mejor actor en cuatro ocasiones por Las llaves del reino, El despertar, Barrera invisible y Matar a un ruiseñor; será precisamente con esta última película por la que gane el único galardón de la Academia en su carrera.
En los años sesenta se fue alejando de la interpretación y se centró en la producción. En 1978 escribió una autobiografía titulada "An Actor's Life". También ha hecho algunas apariciones estelares en los últimos años, en Gringo viejo (1989) y en El cabo del miedo (1991).
Gregory Peck ha sido ante todo un actor sincero con el público, se preocupaba de elegir bien sus papeles y rehuía al encasillamiento. A modo de curiosidad señalaremos que rechazó protagonizar Sólo ante el peligro porque había hecho un personaje similar con anterioridad.
Actualmente lleva una vida relajada con su segunda esposa y él personalmente responde las cartas de sus admiradores. Fue un actor que destilaba sobriedad, tranquilidad y sobre todo una integridad que le reportaban un aire solemne y tranquilo. Sus cualidades lo condujeron a la consolidación de una carrera sorprendentemente homogénea.

Finalizamos con Humphrey

2006-08-18T07:55:00.000-07:00

Humphrey Bogart nació el 23 de enero de 1899 en Nueva York. Su madre era fotógrafa e ilustradora y anticipó el futuro de su hijo enviando un dibujo del bebé para una campaña de publicidad de productos infantiles. Fracasó en los estudios y cuando lo expulsaron de la academia preuniversitaria se alistó en la Marina. Un accidente en su buque producido por un submarino le provocó una herida en el labio que le dejó como secuela una cicatriz que le hacía cecear y ese rictus desdeñoso. En 1918 fue contratado como gerente por un productor teatral que le animó a probar suerte como actor. Aunque hizo algún papel secundario fue en 1935 cuando realmente comienza su carrera en el cine. Y en ese mismo año fue cuando la Warner le contrató. Durante cinco años secundó a actores tan ilustres como James Cagney o Edward G. Robinson en películas de cine negro y normalmente recreando tipos malvados, una imagen que parecía inamovible hasta que en 1941 Raoul Walsh le diera el papel protagonista de "El último refugio", donde interpretaba a un gangster redimido. En 1949 ya tenía su propia productora "Santana Pictures" con la que produjo cuatro películas de las que habría que destacar "Sin conciencia" en 1951. En 1951 obtuvo por primera y única vez el Oscar al mejor actor por su actuación como un alcohólico aventurero redimido en la película "La Reina de Africa". Además de ese Oscar, fue nominado al mejor actor en otras dos ocasiones: en 1943 por su interpretación como Rick Blaine en la inolvidable "Casablanca" y en 1954 por su trabajo en la película "El motín del Caine". Hubo cuatro directores que influenciaron la carrera de Bogart: John Huston que le dirigió en 7 películas, Michael Curtiz, que lo hizo en 6, Raoul Walsh en 4 y Howard Hawks en 2. Participó en 79 películas. Con Lauren Bacall protagonizó cuatro películas: "Tener y no tener" de 1945; "El sueño eterno" de 1946; "La senda tenebrosa" de 1947 y "Cayo Largo" de 1948. Su última película fue "Más dura será la caída" (1956). Se casó cuatro veces, la última de ellas con Lauren Bacall. Una semana antes de cumplir los 58 años moría de cáncer. Bogart hasta entonces realizó todo tipo de interpretaciones, convirtiéndose con el tiempo en uno de los mitos más sólidos de la historia del cine. Junto a la urna de sus cenizas hay un silbato de oro en recuerdo de su boda. Algunas de sus películas más destacadas son "El halcón maltés", "Casablanca", "Sahara", "El sueño eterno", "Cayo Largo", "El secreto se Sierra Madre", "La reina de Africa" (que le valió un oscar), "El motín del Caina" y "Sabrina".